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脸是黑白灰关系中的灰色白色部分，脸上最暗的部分是鼻子的暗部.最亮是鼻子的亮部。注意鼻子再暗也不要暗过头发去（如果是黑发）。

明暗关系的几种部位：

亮面：物体因受到光源的直接照射而产生的最亮的色调。

灰面(中间调子)：物体在受到侧光的照射后会呈现出灰色调子。画面中除了亮部与明暗交界线这样极致的色调，还有大量的中间调子。

明暗交界线：明暗交界线是指任何光照条件下的物体亮部与暗部的交界处。它往往是画面中颜色最深的调子，同时也是画面色调最为丰富的地方。当基本形体确定后，就要随即画出明暗交界线的位置和形状。这样，在每一轮对画面反复深入的过程中，才能够首先对明暗交界线进行着重表现，并根据其调子的深浅对其它部分进行调整。需要指出的是，明暗交界线并非是一条单薄而没有变化的“黑线”，而是一个色调凝重、对比明快的窄小的“面”。它是对物体几何关系的最直接的表述，同时也是体现物体质量感的关键所在。

反光：物体背光的部分会接受来自周围环境作用的微弱反光。通常由于反光的存在而使物体暗面的色调不再单一。呈现出既立体又生动的视觉效果。

投影：光使物体有了自己的影子。投影是物体受到光照后产生的平面虚幻现象，它的透视变化与光源的角度有关。投影非常重要，它能够形成色调虚实上的自然转化，有利于形体透视的表达，也有利于传达画面的空间感。初学者往往因为投影部分乍看上去很黑，就在画面上用力涂抹。

高光与亮部：同指物体在光照下最明亮的部位。不同的是因物体间质地与肌理的差异，绘画中将其分为对光线具有反射作用和无反射作用两大类。前者的最亮部位被称作高光，而后者则叫做亮部。高光存在于对光线具有强烈反射作用的物体表面。画面中呈现的高光，能够与周围的色调形成非常鲜明的节奏变化。

素描静物中不同质感的物体如何表现？

有点多，自己再根据需要精简吧，希望对你有用！

1 [理论]表现单纯

2 [理论]节奏变幻

3 [理论]结构视觉

4 [理论]描与刻划

5 [理论]明暗关系

6 [理论]光影害人

7 [理论]素描感悟

8 [理论]何谓素描

9 [理论]线面融合

10 [理论]结构是真

11 [理论]纵深空间

12 [理论]神似优先

[理论]表现单纯

素描不但具有研究性，还具有表现性。从艺术欣赏的角度说，素描习作同样可以当作一幅完整的艺术品去欣赏。

虽说素描是单色，相对表现手法比较单纯；也就因此，素描可以更概括和精炼。画家可以集中精力用简洁的笔法刻意表现对象的结构和内在的气质。

中国传统的书法和水墨画，就是具有神韵的素描。汉字和水墨画同属于中国传统文化的艺术构成。汉字笔划之间的布局与构图的变幻，绘画焦墨枯笔与泼墨润色的对比，书画同源之密不透风与疏可走马的艺术表现，均刻划出中国传统艺术独有的素描构成美和力透纸背入木三分的力度。

没有具象形体的构成，只有黑白灰纯粹层次间变幻，抽象地表现自己的感官感受，同样能创作出墨分五色——素描的节奏。

随着西方文化的传入，素描也随之进入中国艺术训练的课堂。好像只有到了成为大师一级的素描，才最终成为可以欣赏的作品，其他好像只能称其为习作。这是因为大师毕竟是大师，长期文化的积累，悟出了大师出手不凡的写意技法，通常极具有表现力。从一开始，画家就是从表现主体出发，揭示对象的内在的结构和神韵，不用也没有必要再使其他的形式去赘述。

[理论]节奏变幻

节奏是素描美之所在。没有节奏的素描只能是一片没有感情的躁点、线条或灰色，就像一根琴弦只能发出一种音节，一个人说话不停顿、不喘气一样。

根据形体的变化，我们运用抑扬顿挫的笔法和充满韵律的线条，勾画出形体美之所在。

线条可能是有刚有柔，用笔必然分轻重缓急。刚自然直，柔就会虚。粗成为了强调，细就感虚拟。和线条一样，运用线面结合加以光影，借此强调人体的形态变幻，使自然的对象产生艺术的节奏之美。

[理论]结构视觉

视觉的锻炼也是一种思维的过程，是不断剔除错觉，正确感知世界的桥梁。如何使我们的视觉思维在感知形体结构中，形成确切的概念和严谨的画风，尽量多的练习是必须、必要的——俗话说，熟能生巧。

结构素描是对明暗素描而言的，不是说明暗素描就可以不讲究结构，也不能说结构素描就摒弃明暗，它需要十分认真、精心研究和熟练掌握。它以线条为表现力，适当加入一些明暗关系，直截了当地将画面对象的立体结构以解剖形式表现出来。不管是素描石膏像还是真实的形体，都要根据对对象的理解，去分析对象，把握形体，力求排除对象在画面中的琐碎因素。特别要运用解剖常识，牢牢地把握形体的大体骨架、骨点和肌肉之间的关系，进行刻划塑造。

素描虽然画的是形体，但却不应该仅仅是形体的本身，更多的是对形体的观察感受，可以说是一种发现行为。素描的表现形式、方法、手段取决于视觉思维，只有在表现对象时积极而主动的选择，才能体现视觉的基本特征。

视觉绝不是被动复制我们的感受，而是一种积极的理性活动即思维活动。知觉使思维的结果，推理是直觉的研究，最后才能形成自己的创造。

[理论]描与刻划

对于习惯于使用明暗调子的人来说，总是觉着只有这样画才是扎实的素描。其实，经过后来的习作，我还是感到不过强烈，描的东西太多，而刻的地方太少。

应该说利用素描明暗来刻画对象的体积还是有用的。但是如何从明暗调子中走出来，却不是一件很容易的事情。脑子里的固有观念和习惯的势力，加之悟性提高缓慢，使本来想丢弃的画法还会不时的有所反复。

明暗调子就像钢琴的键盘，越是多越能表现得丰富。我们使用的铅笔还能出产7B、8B的吗？即便是有了9B、10B的，也无法表现出现实模特儿空间的黑，黑与白的对比只是相对的。在舞台美术的布景暗调子处理上，使用纯黑+普兰在灯光的照射下也泛白，就改用黑丝绒，可我们的绘图纸如何表现出这样的黑洞？其实黑与白只是一种感觉。强烈的感受需要我们改变以往的写生的办法，摒弃故有的脑子里的死的概念，用全新的思维，在结构意志的控制下，充分发挥我们自己的感触而凝注在笔端的力度，画出对象感受的神似。

不停地改变自己固有的观念，不断尝试新的绘画方法，千万不能为完成一幅作品小心翼翼的作业，完成作业不能成为我们目的的负担。不然，你将丢弃更多尝试的机会，千篇一律的重复自己的已知而禁锢自己思维的想象空间。

[理论]明暗关系

明暗素描是很多人在初学阶段接触较多的学习方法。各美术院校在素描教学也常用此方法引导学生。

明暗素描是通过光与影在形体上的变化，体现所画对象丰富的明暗层次关系。初学者在开始学习时常常采用灯光下练习，它能帮助你认识物体在光源下的明暗变化，了解光源在复杂形体的明暗变化，以更深一步了解和掌握光源的变化及对象所表现的立体感、质感、明暗、空间的丰富变化等。

在明暗素描的明与暗、黑与白、光与影、高光与反光的各层次关系中，掌握节奏的变化很重要。有比较才有鉴别。在对形体准确的基础上，反复的比较，是画好明暗素描的关键。

也许明暗素描大体分成几个步骤，如：构图、角度、光源、结构、刻画、调整等等，但这并不是绝对的。不是我们一定要走弯路，但走了弯路未必都是坏事。明暗素描仅仅是一种方法，在练习的过程中要学会总结自己的体会，注意发现自己在练习过程中毕露的锋芒，并加以发扬光大，使自己闪光的一念成为个性发挥的起点。

可能你的明暗素描没有他的对比强烈，可能他的关系处理得比你微妙，在素描写生的明暗处理中，没有一成不变的真理，惟一的真理就是对象形体的结构。

[理论]光影害人

这是作者在进入中央美术学院油画研修班的第一张摸底画，也可以说是自己在读完大学美术专业本科10年后的总结画。它是使用明暗调子手法所画的铅笔课堂作业，像张照片差不多吧？

这样的画法在改革招生制度后的美术院校是很流行的，然而这张画我受到了指导教师的近似挖苦的批评。如果不到北京进修，可以说，我一直会这样画下去；或许还以为是最正统的画法呢。

从石膏像入手就是画明暗，明暗调子让很多人误入歧途，只看到对象的调子——光与影。很多情况下，是在灯光下所画，强调明暗交界线，学会巧妙地虚化投影和处理空间，然而最要命的是没有真正的把握住对象内在的结构。使得所画对象只是头部、脖子和衣服的组合，甚至衣服穿着下的左臂膀没有长在人的身上一样别扭。

电脑硬件的普及和各种绘图、绘画软件的应用，使得我们可以用数码相机轻松的为对象拍摄一幅高分辩率照片，然后在Painter、Photoshop等著名绘画、绘图软件下，几次使用不同过滤器命令就可以轻松地将照片“绘”成现在这副模样，我们还费了九牛二虎之力一笔一笔的画这样的素描干什么？即便没有这样的软件，我们也不能再这样画下去了，因为这仅仅是客观的写照，没有一点儿刻划（不是描绘）的痕迹，更谈不上自己的感受和创意。

这种较长时间的素描浪费了我们很多的时间和精力，使我们的注意力全都集中在明暗调子之中，变成了被动的投影机，真实害苦了很多人。

[理论]素描感悟

素描，不就是素色的描绘呗! 这样的解释作为大众的一般概念勉强可以说得过去，但是作为艺术或绘画的概念就显得肤浅。

素描是基础，是绘画、设计及一切造型艺术的基础。去掉浮华的色彩和形式，素描就成了构成、节奏、曲线的纯粹的素材刻划、底层研究。如果我们剥离一幅绘画的外在形式和色彩涂层，就会浮现所表现对象本质的框架和结构—— 一个真正表现作品内涵的支撑的美。

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

素描又是训练造型能力的最基本的手段。但是由于从事绘画艺术和设计艺术不同的分工，对素描训练的着重点也是不同的。绘画素描作为基础支撑的是欣赏的美；设计素描一般是不作为独立欣赏艺术品的形式出现的，它更具有实用性，仅作为设计艺术的一部分或一个过程。在绘画素描的高级阶段，可以逐渐升华成独具欣赏价值的作品，逐步从训练中走出去，或许更简练或许更精致，总之品位见长；而设计素描的深入阶段就越发体现其物质性，越是精美就越体现实用性。

素描好比攥紧的拳头，是实实在在的东西，来不得半点的虚张。它需要交代清楚拳头的结构，表现出各手指与手掌之间的关系，骨骼与肌肉、脉络、表皮的承载及各种造型所呈现出的美的造型。不管使用纯线条、线面结合还是光影调子，目的只能有一个：刻划出拳头造型到底是怎么一回事。从这一点说，素描决不能仅依靠感觉去画，而要谨慎表象的误导。

有人说素描就是黑白灰，其实这是一种对绘画素描的误解，是长期铅笔素描作业在处理光影阶段为避免在绘画过程中出现层次不清的一种肤浅的认识。在具象绘画中，黑白灰仅仅是一种色调，是一种表现形式的一些元素而已；用黑白灰三大调子所描绘出的层次、光影往往是一些表象，也许是所谓学院派从石膏几何图形——石膏像学起的“正规”路子所带来的负效应。当然，对于纯粹的黑白灰研究，它又具有一定的素描关系的节奏美，同样具有一定的欣赏性，这属于形式美的范畴。

在艺术实践中，素描的初级阶段应是理性的；是需要艺术家冷静的分析、思考，仔细的去揣摩。当然，一幅绘画作品的创作需要感觉，而且感觉非常的重要；形式和各种表现方法也更重要，常常可以体现画家的后期风格。但是，作为绘画基础研究阶段，或者作为一幅作品制作的前期，必须先解决好素描的问题。这就像建筑一样，要把地基打牢，框架设计合理，至于建筑外装修的形式，那是后期工序，是建立在素描基础之上的。

高级阶段的写实主义和表现主义画家，对素描的着重点有明显区别；后者追求“表现一个场面的情感而不是描绘形体的现实外表”，而超现实主义者则着重表现潜意识心理。

[理论]何谓素描

对素描的解释有很多种类，以下摘编仅供参考：

●英译划分：

素描 （DRAWING）、 速写 （SKETCH）、素描 （DESSEIN）；

●颜色划分：

由木炭，铅笔， 钢笔等，用线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。（艺术家杂志，论素描——萧如松）；

●工具划分：

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。（艺术视觉百科全书）；

●一般划分：

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同性格的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感；

●概念划分：

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。（大不列颠百科全书）；

●过程划分：

在西洋美术辞典这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备（雄狮图书公司出版）。

[理论]线面融合

我们面对的形体，本来是没有“线条”和“点”的，就是我们所感觉到“面”的存在，也是在起伏的千变万化中附着在结构与形体上的。

正对着我们的“面”，侧过去就成为了一道压缩的线条，纵深过去，线条就是成为一个点。这些素描的构成元素，使得我们捕捉对象形体有了得力的手段。但是，在写生过程中，我们又非常容易过于潇洒的使用线条，而导致流畅的浮躁。在找准形体结构的耐心与枯燥的练习中，我们很难逃避划线的乏味；同时也很难抵挡挥洒的诱惑。

可以说，在素描中我们所划出的任何线条都应该具备形体结构的属性，才具有真正意义。不然，就成为了一根或一组废线；而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。可能在写生中也会感到一些灰色的“面”，由于我们的感觉其实还处在错觉时，就误以为是一块“面”而画出来，结果仍然是脏灰色而非形体的一部分。

如何避免这种错误的产生，就需要我们始终以对象的结构为中心，不能被动地照抄对象，而要主动、主观的分析与判断对象给我们提供的绘画元素，透过整体的结构去完整的驾驭被画形体。

我们使用的无论是“点”、“线条”还是“面”，都是一种手段，它们本身没有任何的意义，把它们用在我们所刻划的形体上，就成为了人体结构的元素，最终成为所画人体的一部分，而不再是什么点线面了。

中国人物画用线条对衣褶的描画方法，总结归纳出游丝描、琴弦描、铁线描、竹叶描等“十八描”法。西方绘画空间的运用，使得线条的运用融入了面的成分，变得更加丰富多彩。在对形体与结构的观察中，相信每个人的感悟都是不同的。如何运用点线面的融合，将你对形体的理解刻划出来，将是你创造的一个过程。在此之前，不妨也可采用中国传统的训练方法——临摹的学习，来体验一下前辈大师的用笔，再融入自己的体验，相信你的写生将更加的有趣

[理论]结构是真

在素描绘画当中，最关键的当然是结构。

现实中很多画家，由于对人物或物体结构缺乏了解，最后只能走形式的路子，在创作中很难拿出具有深度的力作。虽然我们已经有了方便的照相机（现在都使用数码相机）和扫描仪，可以在电脑中处理图形，能够省却很多造型的麻烦，但是，形是形，结构是结构，并不是一个概念。对绘画的过程而言，形是附着在结构之上的表象，而结构才是对象的支撑；外在形的轮廓无法真正表现对象的内在美。

我们所观察到的对象的外形，那是一种表象，一种轮廓。当对象一旦变换位置，而我们又缺乏对结构的了解，就很难着手。在初学阶段，几乎每个人都经历了利用稳定的三角形来确定形体的大体位置和构图，然后再用小的虚拟的三角形、方形等分解被画对象局部的位置，这样的方法最后只能是比葫芦画瓢，照相般描绘对象。

就像我们已经走过了充饥的年代一样，我们已经走过了缺图的年代，正跨入一个读图的时代。各种图形、图像、图库层出不穷，再用照相的方法——抄照片去再现对象，倒不如干脆去搞摄影算了，那我们还不如照相机来得客观。对画家来说，最难以接受的便是被人夸奖为：看画得多好，像照片一样。也就是说，那些个作品没有强烈、强调和更深层次的东西，缺少画家对形体结构的理解和对对象的内涵表现的创意，这又怎么能算得上绘画的艺术作品呢？

艺术的真实，并不是纯客观的真实，而是画家通过自己的感官和手，表现画家内心的感受的一种艺术的真实——去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的刻画与刻划。

[理论]纵深空间

我们面对的是一个三维的空间，而我们的画面却是只有两度空间的纸张或画布，如何画出对象的深度空间，也是需要通过素描解决的重要课题。

解决空间的问题，可以运用光影，也可以运用线条或线面结合。在我们已经习惯于平面观察物体的时候，尤其遇到透视变化较大，还没有解决造型功底的时候，常常束手无策。解决这个问题的关键首先在解决对形体的把握能力和理解结构，在结构的基础上，敏锐的找出纵深的构成元素——点、线或者是面，谨慎的处理远近的关系，你一定能把空间处理的恰如其分。

可能在你成为大画家的时候，不再需要三维的空间而有意追求平面的装饰效果或是别的什么震撼的色彩构成，而就在你的执着之中，也还是存在着虚实变化的肌理和远近的对比。

石膏素描的练习不失为时一种方便，它反映出的结构、形体、比例、明暗、空间等关系比较纯洁，在特定光线下，可生成微妙的明暗变化以便于观察；且不受环境、时间限制，可以让初学者从不同侧面、不同角度较为固定地长时间观察、分析，从容地表现对象。

但是石膏素描画久了，容易给人误导——在用光条件、明暗交界、投影等方面产生依赖性，而敏锐的观察移动形体结构的能力得不到锻炼。

[理论]神似优先

无论是所画对象的形象还是体积，我们都无法做到绝对的形似。因为我们是透过眼睛的观察后，用手和笔表现出来的。不说我们的造型能力有高有低，即便能够做到绝对的酷似也还是 不如神似。

神似有些像我们常说的特征。但特征仅仅是带有神似的成份，却没有神似的韵味。特征显得比较生硬和理性，往往对艺术的夸张成份表现不足。

偏重于形象思维的绘画素描在理解形体结构的基础上，创造性的使所画形体达到一种表现的冲动，一种艺术的高度。而依赖于理性思维追求物质真实性的设计素描则较客观、严谨、甚至死板的达到工艺的利用和美观，尽管设计素描的过程参杂着形象思维的因素，但依然是缺乏神韵的激情。因此，设计素描很难上升到很高的艺术欣赏境界。

绘画素描与设计素描根本的区别，就在于形似与神似地追求不同。当绘画素描向表现性素描发展时， 我们当然要优先注重神似地发挥。如何对实物和画面进行感觉的反复比较，在写真、写意中传达视觉的冲击和感染，以实现艺术的审美价值。

由物体的物质属性带给人的视觉感知即为质感。如玻璃表面的光洁、绸缎的柔软滑亮、陶瓷的粗糙、金属的坚硬等。质感的获得源自人的视觉经验和触觉经验。在静物写生中，质感的传达是一个重要的表达内容，它可以训练我们视觉的敏感和写实效果的真实丰富。

不同的物体还具有不同的组织结构、不同的质地、不同的固有色和不同的光泽等，我们描绘不同的物体时，可以因物制宜，采用不同的表现手法。

衬布的质感表现方法

不同颜色、不同质感的衬布，既有着不同的手感和视觉感受，也有着不同的形体转折关系。衬布布褶与主体物一起构成画面的基本框架，同时衬布布褶还起到联系各物体、丰富画面的作用。作画时，必须将布褶纹路的结构关系、来龙去脉表现出来。要注意布褶与物体的相互关系，布褶之间穿插较多，需要适当地有所取舍，表现时不能喧宾夺主。

陶瓷的质感表现方法

陶制品的质地比较粗糙，高光不明显，反光较弱，绘画时宜用较软的铅笔表现。瓷器有光泽，厚重，表面坚硬。与陶相比，瓷器的表面更光滑、细腻。刻画陶瓷器具应注意明暗交界线周围的明暗色阶变化，适当用纸巾揉擦，再用较硬的笔有规律地排线，笔触要平滑，不能琐碎，以更好地表现陶瓷的质感。

玻璃的质感表现方法

玻璃质感光滑、透明。其自身没有明显的明暗变化，但受周围环境的直接影响。表现时不仅刻画玻璃器皿本身的结构，还要刻画透过器皿所看到的物体。因此，刻画时绝对不能把它们看作是孤立存在的物体，应将玻璃器皿同周围环境结合起来表现。

金属的质感表现方法

金属制品表面光滑，但受周围环境的影响，具有很强的反光性。刻画时要特别强调高光和反光区域。其中间层次的明暗对比也相对具有跳跃性。金属制品受周围环境的影响较大，暗面的反光也要统一在同一个色阶里，避免过多地刻画细节，致使暗面过于“花”“乱”。表现时要用流畅的线条、均匀的色调，用笔要软硬结合。

其他日常物品的质感表现方法

对于其他日常物品主要通过写实的表现手法，认真研究其形体结构，采用黑白灰三大面、五大调子进行塑造，结合物体间的搭配、物体与衬布之间的关系、构图布局等方面进行表现。

训练时尽量分质感练习，短期内重复画一类物体，比如金属练习、蔬果练习等。还有情境练习，如以运动为题材的羽毛球、篮球、矿泉水瓶、毛巾、运动服、杯子等。

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